이성과 감성의 공존

마블 스튜디오의 총제작자인 케빈 파이기는 <앤트맨>(2015)에 폴 러드를 캐스팅한 것에 대한 이유에 대해 이렇게 말했다. “수트를 입고 좋은 결과를 만들기 위해 최선을 다하는 이가 하찮은 사기꾼 출신인데, 그가 폴 러드 같은 사람이라고 보자. 그는 다른 사람의 집에 침입하는 등 다소 불미스러운 행동을 해도 여전히 매력적일 수 있고, 당신이 응원할만한 사람이기에 그의 구원을 만족하게 될 것이다.” 만약 당신이 <앤트맨>을 관람했거나 관람하게 된다면 이 의견에 대해서 쉽게 수긍할 수 있을 것이다. 그가 연기한 <앤트맨>의 스콧 랭은 케빈 파이기의 말처럼 응원할만한 매력이 있는 존재이기 때문이다.

<앤트맨>의 스콧 랭은 마블 코믹스의 세계관의 영화적 세계관을 의미하는 마블 시네마틱 유니버스(MCU)의 히어로들 가운데 <아이언맨>의 토니 스타크(로버트 다우니 주니어)와 <가디언즈 오브 갤럭시>의 스타로드(크리스 프랫)에 비견될 수 있을 만큼 유머 감각이 차고 넘치는 캐릭터다. 동시에 MCU 안에서 유일하게 부성애를 지닌 캐릭터이기도 하다. 그런 의미에서 <앤트맨>은 폴 러드에게 개인적으로 진지하고 긍정적인 의미를 남긴 작품이었다. “이 영화를 내 아이들과 함께 볼 수 있을 거라는 점이 정말 마음에 든다. 내 딸은 다섯 살이라 아마 별 관심이 없을 거 같은데 열 살짜리 아들은 재미있게 볼 거다. 아이들이 촬영장에 온 적이 있는데 아들이 수트와 헬멧을 보고 정신을 못 차렸다. 정말 멋진 일이라 생각했다고 하더라. 아들과 나란히 앉아서 영화를 볼 거다. 정말 좋을 것 같다.” 이건 폴 러드가 아니라 <앤트맨> 속의 스콧 랭이 하는 대사라 해도 믿을 수 있을 거다. 그러니까 케빈 파이기가 보는 눈이 있었단 말이다.

혹자는 ‘이런 배우가 어디서 갑자기 튀어나왔을까?’ 궁금하겠지만 사실 폴 러드는 아주 오래 전부터 할리우드에서 활동해온 배우였다. 그렇다고 그가 변변찮은 무명 시절을 견딘 불운한 배우였던 건 아니다. 다만 그는 망가짐을 두려워하지 않는, 되레 뻔뻔하게 즐기는 코미디 배우로서 오랜 경력을 쌓아왔다. <앤트맨>의 캐스팅에 지대한 영향을 미친 것으로 알려진 <앵커맨>(2004)은 웰 페럴과 스티븐 카렐이 출연하는 코미디물이다. 이미 두 배우의 출연만으로도 성격이 명확하게 보이는 이 코미디물에서 폴 러드는 예측불허의 얼간이 짓을 일삼는 방송뉴스팀의 직원으로 등장한다. 큼지막한 콧수염까지 붙인 채로 등장한다. 진지함이라곤 1g조차 없어 보이는 <앵커맨>의 폴 러드는 <앤트맨>의 폴 러드와 완전히 다른 사람이면서도 종종 닮았다. <앤트맨>의 스콧 랭은 언제나 긍정적인 방향을 모색하는 인물이다. 무모하게 여겨지는 상황에서도 최선의 방향을 찾아 달려나가고 백치미 돋는 유머 감각을 잃지 않는다. 어떤 식으로든 보는 이의 마음을 편안하게 진정시키는 힘이 있다. <앤트맨>이 기존의 마블 히어로물들과 달리 가족드라마적인 안정감을 선사하는 것도 폴 러드라는 배우가 품은 그런 자질과 무관하지 않다.

앞서 언급한 <앵커맨>의 제작자였던 주드 아패토우의 연출작인 <40살까지 못해본 남자>(2007)와 <사고친 후에>(2007)에서도 폴 러드는 선하지만 어딘가 덜 떨어진 인상의 남자들과 어울리며 하향평준화된 삶을 마냥 즐기듯 전전한다. 비록 한가운데 서서 주목을 독점하는 주연 캐릭터는 아니지만 그 주변부에서 타인의 삶을 진지하게 경청하면서도 백치미 넘치는 태도로 위로를 전한다. 심지어 <아워 이디엇 브라더>(2011)에선 우울증을 호소하는 경찰에게 천진난만한 태도로 대마를 한 움큼 쥐어주다 감옥에 수감돼서 순식간에 나락으로 떨어지는 인물을 연기한다. 인간적인 공감대를 쥐어주는 것이 그에겐 무엇보다도 중요한 기준이다. “캐릭터를 인간적으로 만드는 것이 관객들의 마음을 사로잡는 비법이라고 생각한다.” 그리고 <앤트맨>의 스콧 랭 역시 슈퍼히어로로서 보여주는 기상천외한 활약상만큼이나 돋보이는 건 공감할만한 진심을 표현하고 있다는 것이다. “정말 멋진 격투신이나 화려한 시각효과가 눈엔 즐거울지 몰라도 깊이는 떨어진다. 캐릭터들과 공감하지 않으면 아무 것도 남지 않는다. 이 영화는 이러한 요소들을 모두 갖추고 있다. 멋진 액션신은 물론 격투신들은 정말 최고다. 이전엔 경험하지 못한 것들을 볼 수 있을 거다. 일부 기술은 최초로 사용된 기법이기도 하고, 정말 획기적이다. 하지만 사람들이 정말 기억했으면 하는 것은 캐릭터들과 그들간의 관계다.”

물론 슈퍼히어로가 되는 과정이 그저 마음을 다스리는 것만으로 가능했을 리가. 하지만 다채로운 고생문을 열고 닫았을 것이라 예상했던 것에 비해 폴 러드의 답변은 일관되게 유쾌한 톤을 유지한다. “촬영하는 것은 매우 즐거웠다. 솔직히 말하면 싸우는 것이 재미있기 때문이다. 영화에서는 싸울 기회가 많지 않았다. 그래서 트레이닝과 액션신들을 준비하는 것 자체로도 정말 즐거웠다.” 다만 유일하게 불편한 건 와이어의 안장이었다. “원치 않는 곳으로 파고들어서. 그걸 빼면 그리 나쁘지 않았다. 재미있더라. 공중에 매달려서 ‘이게 내 일입니다. 이렇게 하루를 보내죠’라고 말하는 경우도 꽤 많았다.” 또한 스태프의 도움을 받아서 입는 데에만 30분의 시간이 소요되는 디테일한 수트를 입고 연기한다는 것 자체가 상당히 독특한 경험이었다고 말한다. “이런 의상을 입게 되면 캐릭터 표현에 굉장한 도움이 된다. 서는 자세부터 다르고 생각하는 것마저 달라진다. 처음볼 땐 너무 좋아서 아찔했다. 헬맷을 처음 써봤을 땐 어린 시절에 봤던 스톰트루퍼 헬맷이 생각났다. 만약 어린 나이로 돌아가면 많은 그림을 그렸을 거다.”

한편 <앤트맨>에서 폴 러드는 단순히 연기에만 참여한 것이 아니다. <앵커맨>의 연출을 맡았던 감독 아담 맥케이와 함께 시나리오 각본에 참여했다. 사실 폴 러드에겐 이미 영화 기획과 각본, 제작 경력이 존재했다. 그럼에도 <앤트맨>은 그에게 새로운 도전이었다. “이런 작업은 항상 저예산 코미디 작품에서 경험했던 거다. 이런 스케일에서는 처음이었다.” 그럼에도 그에겐 당연히 의미가 있는 도전이었다. “각본에 참여하면 모든 캐릭터에 대해 깊이 이해할 수 있다. 항상 캐릭터의 의도를 생각하고 내 선택이 다른 이들에게 어떤 영향을 미치는지에 대해 고민하게 된다. 처음보다 스토리에 대한 전반적인 이해도 더욱 깊어졌다.” 그리고 덕분에 우린 이토록 유쾌한 앤트맨을 만날 수 있게 됐다. “우리가 만드는 건 영화일 뿐이다. 인생을 살면서 가장 중요하게 생각하는 것은 웃는 거다. 정말 진심으로 웃는 일 말이다.” 폴 러드의 말을 따르자면 그에게 있어서 영화란 인생의 낙을 찾는 여정에 가깝다. 그러니까 웃음을 찾아가기 위해 건설하는 기차 레일과도 같은 것이랄까. 참고로 폴 러드는 계약상 앤트맨 수트를 세 번 이상 입어야 한다. 그러니까 우리가 이토록 유쾌한 히어로를 볼 기회가 최소한 두 번 이상 더 남아있단 말이다. 이보다 좋을 수 있겠는가.

(beyond NOVEMBER 2015 VOL.110 'STARDOM')

영광은 일찍 찾아왔다. TV영화 <제임스 딘>(2001)의 타이틀롤을 맡은 제임스 프랭코는 전설적인 미남 스타가 남긴 여운을 재현하며 ‘제2의 제임스 딘’이란 호평을 얻었고, 골든글로브 트로피까지 거머쥐었다. 이는 그를 메소드 연기의 포로로 만들었다. 로버트 드니로의 상대역으로 출연한 <시티 바이 더 씨>(2002)에서 마약쟁이를 연기하기 위해서 중독자들과 몰려다니며 길거리를 전전했고, 니콜라스 케이지의 연출 데뷔작 <소니>(2002)를 준비하고자 게이 스트립 클럽에 드나들며 스트리퍼들의 행위와 습성을 면밀히 관찰했다. 그리고 스파이더맨 슈트를 입고자 오디션을 봤지만 결국 해리 오스본 역으로 캐스팅된 <스파이더맨>(2002)은 그의 전세계적인 출세작이 됐다. 하지만 샘 레이미가 <스파이더맨> 트릴로지를 완성하기까지 5년 동안 프랭코가 이룬 경력들이란 대부분 무색한 것들이었다.

“연기가 내 전부였을 때, 스스로에게 잘못된 생각이라고 거듭 말하면서도 내 연기가 나를 규정한다고 생각했다.” 세 편의 출연작이 공개됐던 2006년은 프랭코에게 있어서 대단한 실망을 안긴 한 해였다. <라파예트>를 준비하며 비행조종사 자격증까지 얻은 그는 <아나폴리스>를 위해서 8개월 간 링에서 복싱을 배웠고, 검술을 연마한 뒤 <트리스탄과 이졸데>에 출연했다. 결과적으로 이 세 작품은 흥행과 비평의 면에서 완전히 실패했다. “영화가 잘 되면 행복했고 그렇지 않으면 화가 났다. 배우로서 어떻게든 완성된 결과물에 책임져야 한다는 강박이 날 돌아버리게 만들었다. 그저 미친 짓이었다.” 그리고 그는 의외의 결단을 내린다.

2006년 프랭코는 부모의 바람을 등지고 10년 전에 자퇴했던 캘리포니아의 UCLA로 다시 돌아가서 철저하게 학업에 매진했다. 주전공인 문학과 창작뿐만 아니라 과학론, 프랑스어 등 다양한 학문들을 집어삼키듯 공부해나갔고 끝내 62학점을 이수했다. UCLA 수료 후, 프랭코는 뉴욕으로 거처를 옮겨서 세 개 대학을 옮겨 다니며 문학과 영화, 극작을 공부한다. 심지어 노스캐롤라이나에 머물 당시에는 잠시 시를 공부하기도 했다. 그의 수학은 촬영장에서도 이어졌다. <스파이더맨 3>(2007)를 촬영하는 세트 안에서 셰익스피어의 희곡, 존 밀턴과 제프리 초서의 시를 읽었고, <파인애플 익스프레스>(2008)를 촬영하며 16세기 영국 문학을, <밀크>(2008)의 세트장에서는 토마스 핀천의 소설을 읽고 있었다. 메소드 연기에 빠져들었던 것처럼 완벽한 연기를 위해서 연기적 지식으로 자신을 무장시켰다.

주드 아패토우가 제임스 프랭코를 처음 본 건 12년 전이었다. 아패토우는 의아했다. 멀쩡하다 못해서 여자들의 시선을 단박에 끌어낼만한 매력적인 20대 청년이 어째서 이 자리에 앉아있는 것일까. 아패토우는 당시 TV시리즈 <프릭스 앤 긱스>를 준비하던 중이었다. 부연하자면, <프릭스 앤 긱스>는 제목 그대로 괴물과 괴짜 같은, 문제아들과 얼간이들로 이뤄진, 덜 자란 아이들의 모자란 일상을 엿보는 너드 코미디물이었다. 그러니까 아패토우는 그가 이 작품에 출연을 희망한다는 것에 의문을 품었다. 하지만 프랭코는 원작자인 폴 페이그가 졸업한 고등학교가 있는 미시간까지 날아가서 자신의 역할에 대해서 조사했다. 그런 그를 보고 모두다 미쳤다고 생각했다. 하지만 이는 결코 밑지는 장사가 아니었다.

저주 받은 컬트 코미디로 여전히 회자되는 <프릭스 앤 긱스>에 출연하며 주드 아패토우 사단의 웃기는 사내들과 맺은 인연은 결국 대단한 밑천으로 돌아왔다. 이 잘생긴 배우를 가장 고전하던 시기로부터 구원한 것이 바로 그 아패토우 사단의 <파인애플 익스프레스>(2008)였다. 세스 로건과 아패토우가 건넨 시나리오를 받아 든 프랭코는 하루 종일 약에 찌든 채 허허실실하며 얼간이 짓을 해대다가 진창 같은 상황 속으로 굴러들어가는 마약상 사울을 연기하며 새로운 연기적 자아를 얻었다. 치열한 준비 과정과 진지한 캐릭터를 도맡았던 지난 경력들과 달리 반쯤은 맛이 간 너드 역할이 일으킨 대단한 반향은 프랭코의 가치관을 흔들었다. “거기에는 많은 자유와 즉흥성, 창의성이 있었고 다른 이들의 조언이 수렴될만한 여지도 있었다.”

구스 반 산트의 <밀크>(2008)에서 하비 밀크의 애인 스콧 스미스로 등장한 프랭코는 그 뒤로도 <하울>(2010)의 비트제너레이션 작가 앨런 긴스버그 역으로 동성애자 역할을 맡았다. 이 두 독립영화는 동성애자가 등장함과 동시에 실존인물을 극화하고 있다는 공통점을 지니고 있다. 그리고 이는 프랭코의 성정체성에 대한 루머로 번져나갔다. 하지만 되레 프랭코는 이런 반응에 관심을 보였다. “나는 반규범적인 생활양식 대로 살아가는 이 사람들이 반대 세력을 다루는 방식이 흥미로웠다. 그저 내가 게이일 거라 안다 해도.” 프랭코는 연기를 벗어나서 자신의 행위 자체가 끼치는 사회적 영향력을 거대한 예술적 행위로 인식하고 있다. 2009년 9월부터 낮 시간에 방영되는 3류 연속극 <제너럴 호스피털>에 프랭코라는 동명의 인물로 등장한 것도 그런 까닭이다. 그는 현실과 허구 사이에 놓인 배우와 캐릭터 사이의 상호연관관계와 그것이 작품의 안팎으로 미치는 영향력에 대한 탐구적 흥미를 직접 칼럼으로 써내기도 했다.

“그는 이미 잠정적으로 정해진 캐릭터를 연기했기에 새로운 가능성이 죽은 것이나 다름없었지만 그걸 잘 점령했다. 기적에 가까운 연기였다.” 협곡 사이로 미끄러지다 떨어져 내린 돌에 팔이 끼어서 사투를 벌이다 끝내 자신의 팔을 잘라내고 탈출한 아론 랄스턴의 실화를 영화화한 <127시간>(2010)의 대니 보일은 프랭코를 극찬했다. 비행기를 타고 뉴욕과 촬영지를 오가며 연기한 그는 틈나는 대로 마르셸 프루스트를 읽어가면서 바위 사이에 갇힌 한 남자의 고립된 감정을 감각적으로 환기시킨다. 이 연기로 첫 오스카 후보에 오른 프랭코는 애파토우 사단의 코믹 판타지물 <유어 하이니스>(2010)로 한숨을 돌리고 <혹성탈출: 진화의 시작>(2011)으로 오랜 시리즈의 기원을 세우는 일에 동참했다.

최근 예일대에서 영문학 박사 학위를 이수한 프랭코는 뉴욕대에서 시를 영화로 변환하는 강의를 맡았다. 지난 해에는 단편소설을 써내기도 했다. 현재 그는 연기 외에도 연출에 관심이 많다. 제임스 딘의 <이유없는 반항>(1955)에 출연했던 살 미네오에 관한 작품을 연출하고 베니스 오리종티 부문에 출품했다. “연기할 수 있는 역할을 원하는 것이 아니다. 그건 도전이며 그 도전들은 보람이고 즐거움이다.” 그는 안주하지도, 서두르지도 않는다. 그저 자신의 모든 것을 즐기는, 정의할 수 없는 에너지를 지닌 배우, 그가 제임스 프랭코다.

(beyond 11월호 Vol.62 'STARDOM')

일찍이 미국에서 ‘여자 버전의 <행오버>’라는 소문이 자자했던 <내 여자친구의 결혼식>은 그 소문대로 가공할만한 파괴력을 뽐내는 화장실 유머로 치장된 코미디물이다. 하지만 <행오버>시리즈가 그 막장 유머에 대한 취향이 필요한 미국식 코미디물이라면 <내 여자친구의 결혼식>은 한 여인의 성장드라마 위에 파괴력 있는 유머가 가미된 작품이란 점에서 공감의 여지가 보다 너른 작품이다. 메가폰을 잡은 폴 페이그보다도 제작자로 이름을 올린 주드 아패토우의 인장이 보다 짙은 이 작품은 그가 연출한 전작들 <40살까지 못해본 남자>나 <사고친 후에>, <퍼니 피플> 등과 마찬가지로 드라마틱한 내러티브가 설득력 있게 극의 밑천을 마련해나가는 위로 포복절도할 만한 유머들을 장식처럼 얹혀나간다.

당사자가 아닌 구경꾼 입장에서는 너나 할 것 없이 볼거리를 이루는 이 작품의 유머들은 시퀀스와 시퀀스 사이에 매설된 지뢰와 같다. (물리적인 가학성을 의미하는 것이 아닌,) 끔찍하리만치 가혹하게 난감해지는 어떤 상황들 혹은 한없이 엇나가거나 유치하게 일관하는 성인들의 대화와 행동들로부터 지속적으로 투하되는 유머들은 양에 비해서 질적으로 우수한, 대단한 성능을 자랑한다. 드레스장에서 벌어지는 처참한(?) 소동극을 비롯해서 마력과도 같은 폭소의 자질이 곳곳에 설치된 이 작품의 유머 코드에도 취향의 호불호는 작용할만하다. 하지만 그것이 일상적인 행태를 담보로 벌어지는 극단의 연출이란 점에서 공감대의 웃음이 발생할 가능성이 다분하다. 그것이 <행오버>와 이 작품의 웃음을 구분 짓게 만드는 또 하나의 차별점에 가깝다.

물론 <내 여자친구의 결혼식>은 미친 듯이 몰아치는 웃음의 광풍만으로 채워진 단순 코미디가 아니다. 열등감과 자격지심으로 똘똘 뭉친 한 여인이 갖은 갈등과 충돌을 겪은 뒤, 비로소 자신의 결핍과 한계를 견뎌내고 스스로 다시 일어선다는 보편적인 성장드라마의 틀거리가 이 작품의 본론에 가깝다. 이토록 빤한 교훈이 나름의 설득력을 얻었다 말할 수 있는 건 이 작품이 어떤 특정한 소재가 아니라 여성이라는 대상 혹은 캐릭터 자체에 대한 이해와 배려를 통해서 시작된 이야기를 하고 있(는 것으로 보이)는 덕분이다. 결혼과 자립이라는 고민 앞에서 실패와 시행착오를 거듭하고 있는 한 여인이 수많은 난관에 직면하고 스스로를 뒤돌아볼 계기를 얻게 되기까지의 과정은 단편적인 설정 이상의 깊은 이해를 품고 있다.

여자가 당당해야 이 영화는 산다. 그런 의미에서 이 영화는 제대로 살았다. 누구보다도 적극적으로 망가지는 동시에 깊은 감정까지 포괄하는 여배우들의 열연은 <내 여자친구의 결혼식>을 완성시킨 기초적인 자산과 같다. 애니 역을 맡은 크리스틴 위그를 비롯해서 그녀의 주변부를 장식하는 로즈 번, 마야 루돌프 등 영화에 출연하는 모든 배우들은 모든 상황을 즐기는 것처럼 보일 정도로 놀랍도록 과감한 영화의 난장 속에서 끝내 제각각 반짝인다. 진심으로 더럽게 재미있다.

(무비스트)