이성과 감성의 공존

(씨네서울)

아마도 <글러브>에서 가장 뚜렷하게 주목되는 대상은 어느 배우들도 아닌 강우석 감독일 것이다. <글러브>는 전작 <이끼>와 함께 그의 필모그래피 안에서 발견되는 변화적 흐름을 감지하게 만드는 작품이라 해도 좋을 것이다. 시사적인 이슈들에 밀착한 상업 영화들을 만들어내던 강우석 감독은 본격적인 장르물에 도전한 <이끼>로 화제를 모았다. 그리고 <글러브>는 ‘착한’ 휴먼드라마로서의 감정에 무게를 둔, 그의 필모그래피 안에서 가장 무딘 날을 세우고 있다 평할만한 작품이며 강우석이라는 이름 안에서 또 한번 이례적이라는 수사를 동원하게 만드는 결과물로서 이목을 끌고 있다 해도 과언이 아닐 것이다.

물론 반박의 여지는 있다. <글러브>는 충주 성심학교 야구부 학생들의 실화를 바탕으로 둔 각색물이란 점에서 역시 현실적인 이슈를 스크린 속에 녹인 강우석 감독의 전례들과 이어진 일관성이 유지되는 작품이다. 하지만 <글러브>는 (우연이든 필연이든,) 시사적인 이슈들을 적절한 시기에 스크린에 수용해내는 강우석 감독의 영화 특유의 태도와는 분명한 차이를 발견할 수 있는 작품이다. <글러브>는 실화를 모티프로 삼고 있으나 그것이 정치적인 가치평가를 염두에 두게 만드는 소재가 아닌, 드라마틱한 보편적 감동에 무게를 얹는 소재로서 수용되고 있다는 점에서 분명 강우석이라는 이름을 건 전례들과 차별적인 성격을 지니고 있다.

뒤집어서 ‘강우석 감독의’ 라는 부연을 제하면 사실 <글러브>는 굉장히 빤하게 수가 읽히는 영화다. 청각장애를 지닌 소년들과 한때 프로 최고의 실력을 자랑하던 망나니 투수가 만나 세상의 편견에 맞서고 함께 성장해나가는 눈물 겨운 감동스토리가 빤히 읽히는 <글러브>는 그런 예상에서 크게 벗어나지 않는, 진짜 빤한 영화다. 예상범위를 벗어나는 지점이 있다면 140분이 넘는 러닝타임이라고 할까. 스스로 감동을 웅변하는 대사들이 숱하게 등장하는 이 영화는 ‘감동’드라마임을 스스로 주창하는 올드한 휴먼드라마다. 단도직입적으로 촌스럽다.

야구로 비유하자면 <글러브>는 직구다. 포수의 미트 안으로 정직하게 뻗어 들어오는, 치기 쉬운 직구들이 처음부터 끝까지 거듭 투구되는 영화다. 장애를 극복하는 아이들과 덜 자란 어른의 뒤늦은 깨달음이 성장드라마라는 그라운드 안에서 차례대로 진루하다 어렵지 않게 홈까지 걸어 들어오는 양상이다. 치기 쉬운 볼을 받게 되는 타자의 입장과 같이 관객은 손쉽게 감동을 얻어내겠지만 동시에 큰 감흥에 다다르기 어려울 가능성이 농후하다. 대사들은 거창하고, 표정들은 비범하나, 감정이 얕다. 목청은 크지만 울림이 없다.

적당한 진루타는 쳐내지만 홈런 한 방이 부족한 휴먼드라마라는 점에서 <글러브>는 인상적인 결과물이라고 말하기 어려운 작품이다. 동시에 야구 영화치고 경기 장면이 재미없다는 건 어쩌면 이 영화가 지닌 최대의 에러일 것이다. 그나마 정재영의 살아 있는 표정이 영화의 빤한 승부수 속에서 흥미진진한 역투 노릇을 한다.

(씨네서울)

영화는 시작부터 교도소에 가야하는 말리크의 현실적 처지를 덩그러니 던져놓는다. 그가 지금까지 어떤 삶을 살아왔는지 알 길이 없다. 단지 그가 이제 소년원이 아닌 교도소에 가야할 나이가 됐으며 그를 지켜줄 사람도 없고, 그가 가진 것도 없다는 얇은 정보 뿐이다. <예언자>가 소년에게 어떤 운명을 부여할지에 대해서 짐작하기란 어렵지 않다. 교도소에 들어서서 알몸으로 검문을 시작하는 말리크의 표정을 마주한 관객이라면 누구라도 알 수 있을 것이다. 작은 동공에 두려움과 경계심이 터져나갈 것처럼 자리한 말리크의 표정만으로도 그의 교도소 생활이 순탄치 않을 것임은 자명하다. 통제와 억압이 자리한 교도소 안에서는 남몰래 폭력이 자행되고 있으며 권력의 착취는 은밀하듯 공공연하게 이행된다. 우연이든, 필연이든, 말리크는 그 중심으로 멱살을 잡히듯 끌려들어간다. 선택의 여지란 없다. 단지 생을 부지하기 위해서라면 어떤 식으로든 자신에게 내던져진 미션을 수행해나가는 수밖에 없다.

<예언자>는 분명 가혹한 현실을 비추는 영화다. 하지만 <예언자>는 예상 외로 그 가혹한 상황에 내던져진 인물을 통해 연민과 같은 감정을 끌어내거나 그 현실로부터 잉태되는 상황으로부터 윤리적인 물음을 도출할 야심이 없는 작품처럼 보인다. 말리크가 처한 가혹한 현실을 다룸에도 그 현실에 어떠한 감정이나 의문을 담아내지 않는다. 단지 말리크라는 소년의 현실을 연출해 던져넣고 그 연출된 현실 속에서 소년이 살아나가는 모습을 비춰낼 뿐이다. 교도소라는 특수한 공간 속에서도 사람들은 관계를 이루고, 그 관계 속에서 소년은 비로소 삶을 배운다. 마치 사회학적인 실험이 벌어지는 교도소의 풍경을 영화적 형식으로 옮겨놓은 듯, 살풍경을 담담한 태도로 응시한다. 흥미로운 건 결과적으로 그런 태도가 <예언자>를 성장드라마로서의 쾌감에 다다르게 만든다는 점이다. 교도소의 살풍경을 응시하면서도 느와르적인 비장감이나 윤리적인 이의를 제기하기 보단 생의 노하우를 수집해나가는 말리크의 성장을 찬찬히 지켜볼 따름이다.

교도소에 수감된 말리크가 형을 마치고 출소하기까지의 과정을 그린 <예언자>는 시작과 끝에서 인물의 달라진 표정만으로도 특별한 성장드라마의 묘미를 자아낸다. 아이러니하게도 교도소에서 말리크는 삶의 특별한 계기를 거듭 수집해 나가고 이를 통해 그 동안 꿈꾸지 못했던 미래를 설계하며 삶의 기회를 개척해 나간다. 말리크에게 교도소는 기회의 땅이다. 코르시카 출신 성분의 갱단 보스인 루치아니(닐스 아르스트립)의 눈에 띄어 그에게 살인 지령을 받고 그의 수족처럼 부려지는 말리크는 그로부터 온갖 폭력을 감내해고 생사의 여부가 불확실할 정도로 위험한 임무를 떠안기도 하지만 그 과정을 통해 자립적인 삶의 기반을 마련해 나간다.

사실 <예언자>가 묘사하는 말리크의 성장담은 윤리적으로 옳지 못한 영역에 놓여 있는 것이지만 영화는 이를 미화하거나 혹은 정당화하지 않음으로서 그 논란을 온전히 배제시킨 채 그 서사적 진행에 감상의 초점을 맞출 수 있도록 감상을 유도한다. 인물의 상황을 전시하면서도 그 상황 속에 놓인 인물의 심리나 감정에 연출적 효과를 배제함으로서 그 자체에 대한 감정적 이입을 차단해낸다. 숏과 컷의 배분에 있어서도 비중의 격차를 느낄 수 없을 정도로 균등한 시선을 유지하며 차분하게 서사를 전진하는 서사 속에서 잉태되는 역설적인 결과의 연속성에 적절한 설득력을 새겨넣는 것만으로도 집중력 있는 감상을 도모한다. 안정적인 서사의 흐름 속에서도 진전되는 서사를 예측 불가능한 선상으로 밀어넣으며 흥미를 유발하고 지속시켜 나간다. 특히 영화가 부여하는 현장감의 자질은 배우들의 훌륭한 연기로부터 기인한 것이기도 하다.

<대부>를 비롯한 지난 갱스터 고전들이 중후하고 비장한 느와르의 감성과 시대적 징후 등을 끌어안으며 감상의 체중을 묵직하게 이끌어내던 것과 달리 <예언자>는 때때로 경쾌함이 느껴질 정도로 가벼운 중량감을 자랑한다. 되레 긍정적인 기운마저 느껴지는 <예언자>의 결말은 현실적 물음을 따져묻기 보다도 현상적 가치를 이어붙이며 살아온 말리크의 서사로부터 얻어진 일종의 위안에 가깝다. 가진 것 없이 교도소에 들어가 생사의 고비를 넘기며 성장한 소년은 이제 스스로 개척한 새로운 삶의 영역으로 성큼 걸어나간다. 가혹한 운명을 새로운 삶의 계기로 전환한 소년의 서사는 뒤늦게 역설적인 쾌감을 낳는다. 소년은 위협 앞에 운다. 하지만 소년은 죽지 않는다. 그리고 성장한다. 그 생의 가치란 타인의 평가에 의해서 가늠될 수 없는 비범한 묘미를 품고 있다. 적어도 그 서사를 목격한다면 수긍할 수 밖에 없을 만큼.

(씨네서울)

<위핏>은 평범함을 옳고 바른 삶이라 강요하는 부모의 훈계에 갇혀 있던 소녀가 자신의 역동적인 삶을 찾아 저항하는 하이틴 무비의 혈기를 품고 있다. 사실 성장드라마라는 공식 안에서 지극히 정형화된 범주의 기승전결을 선보이지만 <위핏>은 불필요한 반항적 혈기보다도 자신만의 삶을 갈망하는 10대의 건전한 정서를 훼손하지 않으면서도 그 삶을 관철시키는 영민한 태도를 부여한다는 점에서 보다 특별하다. 10대 소녀의 성장을 관통하는 동시에 소녀의 주변 환경을 채우는 인물들의 내면적 진심을 깊이 있게 포착해낸다. 결국 어느 개인의 성장을 이루는 건 그 개인의 영민한 깨달음에서 비롯되는 바이기도 하겠지만 그 주변 환경의 성숙을 통해서 보다 단단하게 일궈질 수 있음을 <위핏>은 설득하고 있는 셈이다. 새로운 삶의 자극을 꿈꾸던 소녀의 선택을 단순한 관대함이 아닌 진정한 이해의 눈길로서 조명한다.

(국내 관객에겐 다소 낯선 감상을 제공할만한) 롤러 더비라는 스포츠가 등장하는 <위핏>은 성장드라마로서 내면적 질량을 채우는 동시에 스포츠 영화로서의 외형적 부피를 확장하는, 밀도가 단단한 작품이기도 하다. 경사진 트랙 위에서 빠르게 내달리는 동시에 거친 몸싸움을 불사하는 여성들의 롤러 더비는 <위핏>에서 흥미진진한 볼거리다. 이는 롤러 더비의 현장감을 생생히 담아낸 카메라 워크의 탁월함 덕분이기도 하지만 진짜 자신의 육체를 롤러 더비에 적응시킨 배우들의 노력에서 비롯된 바이기도 하다. 실제로 영화의 크레딧이 올라가는 스크린의 한 켠에서 끊임없이 넘어지면서도 웃음을 잃지 않는 배우들의 훈련 과정은 영화를 위해 헌신한 배우들의 진심을 느끼게 만드는 대목이다. 

이는 일찍이 파란만장한 성장사를 견뎌낸 드류 배리모어의 첫 번째 연출작이란 점에서도 보다 특별한 외부적 감상을 부른다. 이른 10대 시절부터 삶의 정체성에 깊은 혼돈을 느꼈던 그녀의 경험담이 역설적으로 보다 담백하고 진솔한 성장드라마의 고민으로서 투영됐다 말해도 좋을 만큼 <위핏>은 서사적 익숙함을 정서적 체온의 깊이로 극복해낸다. 또한 그 연출적 진심을 대변하는 배우들의 연기는 적절한 평형 감각을 유지하면서도 특별한 곡예를 선보이는 선수들처럼 유쾌한 활기와 원숙한 관록을 갖춘 배우들의 앙상블이 영화의 정서를 두텁게 매만진다. 이는 <위핏>의 긍정적 에너지로서 보존된다.

미인대회의 단상에서 본인 스스로에게 어울리지 않는 미소를 연출해내던 블리스는 거친 롤러 더비 트랙에서 자신의 진정한 미소를 발굴해낸다. 스스로에게 강압된 궤도를 이탈한 소녀는 그 새로운 궤도 위에서 자신이 원하던 방향을 찾아 내달린다. 그리고 그 내달림 속에서 자신의 삶을 옥죄던 어머니의 강압에 반항하기도 하지만 그 안에 담긴 진심을 이해하는 법을 배우고 자신의 진심을 설득해내는 방법을 터득한다. 결국 소녀는 성숙한다. 물론 그 성숙 이후로 블리스의 삶이 온전히 다른 것이 될 것이라 단정할 순 없다. 하지만 그 경험 이후보다도 그 경험의 순간들을 지난 소녀의 현재는 분명 남다른 것이다.

<위핏>이 선사하는 결말부의 낙관은 소녀의 도전을 위한 보상을 마련하기보다도 그 도전의 의미를 되새기게 만든다는 점에서 의미를 끌어올린다. 굳이 승리로서 그 도전의 가치를 증명하기보다도 그 도전 자체가 이루는 경험적 가치를 깨닫게 만든다. 개개인의 인생이란 승리와 패배로서 주연과 조연으로 결정지어지는 것이 아니라 제 삶에서 어떤 가치를 찾아낼 수 있느냐에 따라 스스로를 주인공으로 만들 수 있다는 것을 설득한다. 누군가를 누르고 승리를 만끽할 수 없다 해서 그 삶이 불행한 것이 아니라는 건전한 가치관을 탁월한 드라마의 리듬감과 유쾌한 활기로서 설득한다. 그 트랙 위의 질주는 결국 승패보다도 성숙을 위한 것이었음을 끝내 설득한다. 그리고 빠르고 단단한 스포츠 성장드라마 <위핏>을 선보이며 감독으로서 영역을 옮긴 드류 배리모어의 데뷔전은 분명 성공적인 것이다.

(씨네서울)

알란 파커의 80년대 원작에서 들려진 타이틀 넘버 ‘페임(fame)’을 변주한 동명타이틀곡만으로도 새로운 변화를 감지할 수 있는 <페임>은 새로운 시대에 걸맞은 대중문화적 패러다임을 적극 반영한 작품이다. 엠비언트 뮤직이나 일렉트로니카 사운드, 힙합 등 현대 대중음악의 패러다임을 비롯해 현대무용까지 포괄한 대중문화의 변이를 대거 활용한 <페임>은 80년대 원작과 전혀 다른 포장지를 활용함으로써 리메이크물로서의 차별화를 이룬다. 원작과 마찬가지로 <페임>은 뉴욕의 유명 예술고 입학 오디션에 무수한 경쟁률을 뚫고 입학한 학생들이 졸업하기까지의 진급과정을 서사적 줄기로 밀어간다. 오디션과 매학년 시기, 그리고 졸업까지, 이 모든 과정을 서사적 챕터로 구분한 <페임>은 학생들의 성장과 관계적 진전을 주요한 사건으로 다룬다. 그만큼 청춘의 감수성을 밑천으로 발생하는 다양한 인물 관계의 변화에서 비롯되는 묘미가 마련된다.

다양한 학생들의 단계적 성장을 지켜보는 묘미가 있지만 한편으로 너무나 많은 캐릭터가 등장하는 까닭에 집중력 있는 성장담을 그려내지 못한다는 건 <페임>이 성장드라마로서 약점을 지니고 있음을 의미한다. 동시에 분절된 챕터로 구성된 입학과 진급, 졸업까지의 과정이 드라마의 진전을 방해하고, 영화의 전반적인 흐름이 서사적 압박에서 자유롭지 않은 듯한 인상을 준다는 건 일면 아쉬운 측면이다. 그럼에도 <페임>은 분명 뮤지컬 영화로서 즐길만한 순간들이 자리한 작품임에 틀림없다. 빠른 컷으로 시선을 잡아 끄는 초반부 오디션 장면부터 즉흥적인 연주로 다양한 퍼포먼스를 연출하는 식당 시퀀스, 그 밖에도 무도회를 비롯한 다양한 가무의 향연이 곳곳에 배치되어 눈과 귀를 즐겁게 만든다. 특히 피날레를 장식하는 졸업공연은 분명한 볼거리다.

혈기왕성한 도전과 낭만이 깃든 예술고의 자유로운 분위기는 생기발랄한 청춘의 일상을 그려나가며 에너지를 확보한다. 무엇보다도 <페임>의 덕목은 성취만큼이나 좌절의 과정을 간과하지 않는다는 점에 있다. 단지 성장하는 학생의 사연에 집중하기보다도 어린 학생들의 재능을 다스리고 바른 길로 이끄는 교사들의 진실된 표정과 솔직한 조언을 인상적으로 묘사한다. 프로 댄서가 되길 원하는 제자의 실력이 부족함을 냉정하게 조언함과 동시에 새로운 대안을 마련해주는 교사의 얼굴은 경쟁의 본질이란 단지 누군가를 이겨내는 것이 아닌 자신에 대한 끝없는 극복임을 일깨운다. 단지 타인보다 위에 서는 것이 아닌 자신의 삶에 새로운 대안을 찾아나서는 여정이 바로 경쟁의 본질임을 깨닫게 한다.

무엇보다도 <페임>은 현재 (대한민국에서 살아가는) 우리가 공유할 수 없는 엄격한 교육문화와 자발적이고 여유로운 경쟁 문화를 엿볼 수 있는 작품이란 점에서 특별하다. 타인을 이기기 위한 것이 아닌 자신의 꿈을 이루기 위한 경쟁은 삶을 풍요롭게 만든다. 결국 그 체제에서의 낙오는 좌절보단 새로운 도전을 낳는다. 줄세우기를 통해 성공하는 자와 낙오하는 자 사이에 선명한 금을 그어버리는 사회에서는 결코 꿈꿀 수 없는 낭만이 실로 부럽다.

(무비스트)

다채로운 음악으로 치장한 <드림업>은 젊은 소년소녀들의 성장을 그려가는 전형적인 하이틴 무비다. (영화의 원제이기도 한) ‘밴드슬램(Bandslam)’이라는 음악경연대회에 출전하기 위해 밴드멤버를 구하던 샬롯(앨리슨 미칼카)은 우연찮게 윌 버튼의 음악적 재능을 알아보고 자신의 밴드 매니저로 섭외한다. 그 과정에서 윌 버튼은 베일에 가려진 소녀 샘(바네사 허진스)과 우연히 말문을 트게 되고 우정을 교류하게 된다.

우승자에게 거액의 상금과 음반 발매 기회를 준다는 밴드슬램에 출전하기 위해 윌 버튼이 구성하는 멤버는 남과 쉽게 어울리지 못하고 자신의 세계관이 강한 학생들이다. 소외되거나 편협한 관계에 놓인 학생들이 밴드에 소속되어 화합을 이루는 과정은 <드림업>이 선사하고자 하는 감동의 핵심이다. 자신들의 세계를 인정받기 위해 노력을 거듭하고 갈등을 이겨낸 끝에 성취의 결실을 얻어내는 과정만으로도 풋풋한 성장드라마의 묘미가 발견된다.

물론 <드립업>은 잘 만들어진 작품이라 불리기 힘든 영화다. 마치 방금 전까지 자신이 어떤 감정을 이루고 있었는지 쉽게 망각해버리는 캐릭터들의 감정선은 좀처럼 이해할 수 없고, 깊이가 얕은 갈등은 쉽게 무마되고 만다. 갈등이 쉽게 무마되는 만큼 성장드라마로서의 묘미 역시 확연하게 낮아진다. 동시에 서사의 진전 역시 리듬이 불균형하다. 단순히 에피소드의 나열을 이어 붙인 것마냥 한 형태로서의 이야기를 잘 이어나가지 못하는 인상이다. 하이틴 무비의 습성을 염두에 둔다면 스토리의 유치함 정도는 감당해야겠지만 구조적인 문제라면 이야기는 달라진다. 소재의 문제가 아니라 화법의 문제인 것이다.

하지만 그럼에도 <드림업>은 즐길만한 소품이라 인정할만한 작품이다. 게다가 <드림업>에서 가장 매력적인 소품 바네사 허진스는 여러모로 보는 재미와 듣는 재미를 부여한다. 피날레를 이루는 밴드슬램 공연 신은 깊이가 얕은 이야기에 대한 아쉬움을 불식해도 좋을 만큼 효과적인 클라이맥스를 이룬다. 단점이 즐비하지만 명확한 쾌감을 보장할만한 발랄한 장점이 존재한다. 전체적인 협주는 서툴지만 때때로 괜찮은 개인기가 엿보인다.

(씨네서울)

사실 <해리포터>시리즈를 영화화한다는 건 까다로운 일이다. 150여분의 긴 러닝타임을 투자한다 해도 따라잡기 어려운 스토리의 절대량을 줄여나가면서도 긴밀한 흐름을 유지한다는 건 결코 쉬운 일이 아니기 때문이다. 특히 <해리포터>가 큰 사건의 맥락 외에도 아기자기한 소품적 에피소드를 지켜보는 재미가 쏠쏠한 시리즈란 점에서도 서사의 여백 자체가 영화적 손실이 될 수 있다는 건 영화화 작업의 난관 중 하나에 가깝다. 역대 시리즈 가운데 가장 짧은(!) 137분의 러닝타임을 투여했던 <불사조기사단>이 원작의 하이라이트 영상 편집본에 불과하다는 비아냥을 얻었던 전례를 떠올린다면 전작에 이어 다시 한번 <혼혈왕자>의 연출자로 낙점된 데이빗 예이츠가 메가폰이 아닌 마법 지팡이라도 쥐고 있기를 바라는 심정마저 드는 게 사실이다.

<불사조기사단>을 제외한 나머지 시리즈와 마찬가지로 <혼혈왕자>에도 150여분 이상의 러닝타임이 할애됐지만 분명 원작이 지닌 미니멀한 장점들은 텍스트를 이미지로 선별하는 과정에서 일차적인 희생양이 된 것임에 틀림없다. <혼혈왕자> 역시 <해리포터>의 영화화 작업의 난관을 극복하지 못한 선례임에 분명하다. 하지만 <혼혈왕자>는 서사의 선별이란 측면에서 좀 더 과감한 선택이 뚜렷한 작품이다. 부분 3D로 제작된 <혼혈왕자>는 도입부부터 스펙터클한 이미지를 선사하며 원작의 서사를 의식하지 않은 듯 호기롭게 출발한다. 물론 <혼혈왕자>은 온전히 원작소설을 밑그림으로 두고 완성된 결과물이다. 하지만 단지 원작의 서사를 따라가며 작은 맥락들을 절제하는 단순 작업방식에서 벗어나 필요에 따라 서사의 생략과 도치, 혹은 접합을 통한 재구성의 방식으로서 영화를 원작의 동의어가 아닌 유의어 수준으로 격상시킨다. 지금까지 시리즈가 소모해왔던 마법적 세계관의 눈요기가 더 이상 <혼혈왕자>의 장기가 될 수 없음을 인정하듯 이미지의 과장을 절제하고 세계관의 진전에 주력한다.

8년 동안 여섯 번의 시리즈를 거듭한 만큼 <해리포터>에서 가장 눈에 띄는 건 몰라보게 성장한 아이들이다. 성숙하고 농밀한 로맨스까지 연출이 가능해졌을 정도로 <해리포터>는 아동들의 모험담에서 2차 성징 판타지로 무르익었다. 더 이상 풋풋한 성장판타지가 아닌, 다크 판타지의 색채를 자랑한다. 그만큼 채도가 낮아진 <혼혈왕자>는 (지금까지 영화화된) 역대 시리즈 가운데 가장 불길하고 암담한 작품이기도 하다. 사실상 마지막 관문으로 가기 위한 전초전이나 다름없는 <혼혈왕자>는 궁극적으로 서사적 연결고리의 기능적 목적에 충실한 작품이다. 이를 테면 어느 정도 전작들을 복습하고, 후속작에 대한 기대감을 염두에 둔 감상자로서 상영관을 찾을 때 만족도가 상승할 가능성이 높은 작품이란 의미다. 그만큼 원작의 흐름을 얼마나 이해하고 있느냐에 따라 감상적 호의를 베풀 공산이 크다. 원작의 흐름을 잘 이해한 이들에게 <혼혈왕자>는 이유 있는 여운이 되겠지만 그와 동떨어진 관객에겐 어지러운 미로가 될 것 같다.

‘이름을 말할 수 없는 그’와 맞서야 하는 해리포터의 운명은 현재진행형에서 완료형으로 달린다. 해리포터도, 론(루퍼트 그린트)도, 헤르미온느(엠마 왓슨)도 자랐다. <혼혈왕자>는 성숙한 아이들의 2차 성징을 노골적으로 활용하는 작품이기도 하다. 사실 <혼혈왕자>의 볼거리는 속도감을 자랑하는 ‘퀴디치’ 경기도, 번쩍거리는 신비한 마법지팡이도, 기억을 재생하는 ‘펜시브’도, 심지어 ‘어둠을 먹는 자’들과의 긴박한 결투도 아니다. 마법부의 기억상실 주문에 걸리는 ‘머글’이 아닌 <해리포터>의 충직한 관객들에게 <해리포터>의 세계는 더 이상 낯선 볼거리가 아니다. 이는 분명 <해리포터>가 선사하는 이미지가 그만큼 놀라운 볼거리로서 위력이 더 이상 유효하지 않음을 의미한다. <혼혈왕자>의 관건은 로맨스다. 더 이상 애들이 아닌 호그와트의 상급생들은 마음껏 키스하고 부둥켜 안으며 연애를 즐긴다. <혼혈왕자>에서 스펙터클의 공백을 대체하는 건 농밀한 로맨스의 예감이다. 성장한 아이들은 암울해지는 세계 속에서도 성징(性徵)의 에너지를 마음껏 발산하며 나름의 생기를 확보한다.

책 한 권 분량의 절반 가량을 덜어내며 비극적 의미를 강화한 영화의 결말은 그래서 더욱 의미심장하다. 질풍노도의 운명론은 더욱 비장해질 가능성이 크다. 2편으로 나눠질 마지막 스크린 시리즈는 사실상 <혼혈왕자>를 포함한 트릴로지나 마찬가지인 셈이다. 그런 의미에서 <혼혈왕자>는 마지막 단계에 도달하기 위한 서사의 서막으로서 제 기능에 충실한 작품이다. 적절한 변주를 통해 서사를 훼손하지 않는 수준에서 나름대로의 몫을 해낸다. 다만 시각적 묘미의 감소를 감당할 수 없는 이들에게 2시간 30분은 지루한 여정이 될 가능성을 배제하긴 어렵다. 결국 감상의 저울이 어느 쪽으로 기우느냐에 대한 문제는 애정과 관심의 무게를 얼마나 얹어놓을 수 있는가에 달렸다. 다만 확신할 수 있는 건 이제 <해리포터>가 애들이 보기엔 어둡고 무거운 시리즈가 됐다는 것. 더 이상 어리다고 놀릴 수 있는 성장 판타지가 아니란 말씀.

(무비스트)